17 Ago Entrevista a Fermín García Sevilla

Cuando publiqué el artículo sobre la obra de Fermín García Sevilla sabía que algo no quedaba completo, que con sólo comentar su maestría con el paisaje y su dominio en la pintura del natural, nuestros lectores, más que quedar sobrecogidos por la majestuosidad de sus pinturas, se harían mil y una preguntas sobre el cómo llegar a dominar de esa forma la composición y el color en los espacios naturales.

Efectivamente, nada más publicarlo me empezaron a llegar preguntas sobre las técnicas de pintar del natural, las dudas que normalmente se tienen, o porqué no, los miedos que ello infunde al pintor aficionado acostumbrado a solo pintar con los focos y fluorescentes en su sombrío estudio.

Sin saber qué responder, porque salvo con el retrato yo nunca trabajé la pintura del natural (me impone y sobrecoge), pensé que quién mejor podría responder aquellas preguntas que el propio Maestro.

Ya me hablaron de la calidad, que como persona, también atesora Fermín García Sevilla y realmente he podido comprobar que la tiene y a raudales.

Nada más pedirle una entrevista para vosotros, los seguidores del Blog y para mis propios alumnos, todo fue predisposición y desinteresada colaboración.

Así pues, os dejo con esta entrevista que en exclusiva para nuestro Blog nos ofreció el Maestro «Fermín García Sevilla».

ENTREVISTA A FERMÍN GARCÍA SEVILLA

(Un poco de ti y de tus inicios en la pintura)

¿Cuándo te iniciaste en esto de la pintura?

Mis comienzos datan del colegio. Allí había un profesor mio de matemáticas, geografía e historia que me invitaba a salir a la pizarra e ilustrar cada lección que impartía; yo hacía dibujos inventados con lo que yo pensaba podía guardar relación con lo que el profesor iba a decir.

Por otro lado, aquí en mi pueblo había una gran relación entre don Antonio López Torres y mi familia paterna. Su gran afición a la ornitología, y dado que en mi casa siempre hubo pájaros, hacía que Antonio estuviera muy a menudo en casa y a pesar de mi corta edad (12, 13 años) tuviéramos muy buenas conversaciones.

¿Te resultó fácil el aprendizaje de la pintura? ¿Cómo lo conseguiste?

Bueno… la cuestión es que siempre me gustó estudiar y observar a los grandes maestros. Tiré mucha pintura a la basura, siempre estaba manchando papeles con carbón, con témperas, hasta que un día me planteé tomármelo mas en serio, con lo cual me decidí a hacer algunos cursos de técnicas y procedimientos pictóricos, así como a salir a pintar del natural, que siempre fué lo que más me gustó.

Me inicié muy temprano, y ya con apenas 17 años salía con algunos pintores locales para tomar mis apuntes al aire libre. He de decir que no fue fácil, claro que no, pero si hay alguna cosa que tengo de sobra es tesón, con lo cual, nunca me rendí. La evolución se iba notando por meses.

¿Cómo fue tu evolución pictórica hasta dedicarte al paisaje?

Prácticamente siempre me dediqué a él. Al principio hice algunos retratos por encargo al pastel y al óleo, un género que tiene su interés, pero que a mi particularmente me aburre. Yo siempre estuve influido por el carácter paisajista de López Torres, Isidro Antequera y Angel Andrade; era lo que me gustaba y me gusta. Hago mas cosas, interiores, bodegones y fragmentos de muchas y variadas cosas, pero al final siempre vuelvo al paisaje.

Para ti, ¿el concepto de pintor es sinónimo al de artista?

Bueno, absolutamente todos los artistas pueden ser pintores. Por el contrario no todos los pintores tienen porque ser artistas. El talento está, o no está.

La siempre eterna pregunta .. ¿Para ti, el pintor nace o se hace?

Bueno… parte de la anterior pregunta responde a esta, a ver… El talento artístico nace con la persona, luego tienes toda la vida para desarrollarlo. Por ello, creo que el artista debe reunir los dos requisitos, nace y por supuesto se hace. El talento es básico, vital, pero la formación es indispensable para desarrollarlo.

¿Qué le aconsejarías a quien se inicia en la pintura?

En lo que mas hincapié hago siempre es en que no se bajen los brazos, es decir, tenemos que tener en cuenta que esto de pintar no es hacer ganchillo (con todos mis respetos a quien hace ganchillo), quiero decir que el ganchillo es un trabajo mecánico, que se hace de memoria (como hay otros muchos). Esto nuestro es Arte…, la vocación…, el instinto…, el oficio…, el tesón…, todo forma parte de un todo…, de una forma de vida. Lo que en resumen quiero decir con esto es que la pintura nos pide mucho, y raramente nos dá algo, las satisfacciones vienen con cuentagotas. Por lo tanto no le exijamos mucho, y sobre todo no nos desanimemos cuando las cosas no salen, por que eso, es lo que mas a menudo ocurre.

(Un poco sobre tu experiencia como profesor)

¿Cuál es la dificultad principal que observas en tus alumnos?

Sobre todo los problemas de composición, el encajado de la obra. Hablamos de una pintura, la que yo hago, que por el hecho de ser del natural ya nos está añadiendo un problema más a todos los habituales que tenemos en el estudio. Cuando un alumno se enfrenta a la inmensidad de la naturaleza y te pregunta aquello de ¿y que pinto?…¿que es lo que cojo?….¡¡¡ no cabe todo !!!

Fragmentar…que cada cosa quede exactamente en su sitio, haciendo que todo esté dentro del cuadro, que no sobre ni falte nada.

¿Y las carencias más usuales que suelen tener?
Bueno… La comprensión de la actuación de la luz y su aplicación sobre los elementos, la veracidad del color, la credibilidad. Pueden ser unos extraordinarios dibujantes y sin embargo a la hora de captar la atmósfera y los efectos lumínicos les resulta casi imposible.

Por regla general tienen algunos formación académica. Otros sin embargo no la tienen pero tienen gran sensibilidad, pero como denominador común casi todos tienen carencia de observación, pintan mucho y miran poco. Hay que ver y comprender.

¿Prefieres enseñar a pintores con experiencia o sin ella?

Me da un poco lo mismo. Unos tienen unas ventajas y otros otras, es decir, los que no la tienen son más faciles de llevar a mi terreno, que les explico en todo momento. Los que la tienen, también a lo largo de su vida adquieren por lo general un buen número de vicios pictórico que luego cuesta eliminar.

¿Qué metodología de enseñanza te ha resultado la más efectiva?

Particularmente prefiero que me vean pintar varias sesiones para que comparen con el proceso que ellos aplican habitualmente. Después se habla sobre el tema. Incluso preguntan, sin ningun problema, mientras yo trabajo, y después les dejo trabajar a ellos. Mucha teoría, pero siempre con la práctica como modelo.

(Hablemos de tu especialidad, la pintura del natural)

Para ti, ¿Qué diferencias fundamentales encuentras de pintar en estudio o pintar del natural?

Bueno….la más fundamental e insalvable es el espacio de tiempo en el que tienes que resolver, trabajando en franjas de tiempo reducidas, jugando con el modelo, la luz y la retentiva, intentando asir la luz en el mínimo tiempo posible para que el arco que describe el sol en el cielo nos afecte lo menos posible y las proyecciones de las sombras nos duren máximo.

En el estudio tenemos luz estable por lo general, sobre todo si se trabaja con luz artificial. En el natural estamos sometidos a los caprichos de la meteorología.

¿Es más fácil o más difícil pintar del natural para un aficionado?

La verdad es que cuando lo intentan por primera vez , en su mayoría, se sienten sobrecogidos por la grandeza de la Naturaleza, pero no tenemos que olvidar que el natural es el mejor maestro, y que por tanto, cuando pasa un tiempo disfrutan como niños, y agradecen pintar en el campo.

¿Qué ventajas y qué inconvenientes tiene pintar del natural?

Pues un poco lo que he dicho antes. El modelo te enseña, te dicta los colores que tiene. ¿Inconvenientes?, para mi ninguno evidentemente. Bueno….sí. Pasas frío, calor, no tienes un vinito al lado para tomar entre pincelada y pincelada. Por lo demás es una gozada.

¿Es difícil cambiar de pintar en estudio a hacerlo del natural?

Pues si, evidentemente. Para mucha gente si ya que de momento se pierde una comodidad que lógicamente en el campo no se tiene; hay que cargar con un montón de cacharros hasta llegar al sitio elegido, hace a veces viento y te tira el caballete, tienes que andar cambiando la posición de tu ubicación ya que lo que antes era sombra ahora es un sol de justicia, en fin… todo eso. Por lo demás, para mi, ¿que voy a decir yo…? La pintura del natural es mi vida.

Hay quien dice que le cuesta captar el color del natural… ¿qué le dirías al respecto?

Sencillo….que está demasiado acostumbrado a trabajar de foto.

Cuando el motivo lo tienes en una fotografía es fácil la composición, pero cuando estás al natural, ¿qué proceso sigues para delimitar tu composición?

A veces, generalmente por la intervención humana, aparecen en el campo construcciones y estructuras que no tienen nada que ver en nuestras composiciones. Yo las suelo eliminar sin problema. Considero que hacemos pintura testimonial, y que hay elementos que están ahí forzadamente sin tener nada que ver en el entorno, con lo cual hago un ejercicio de observación respetando al máximo los efectos lumínicos, pero introduciendo los elementos más interesantes que están a nuestro alcance.

Una pregunta que todos nos hacemos… Un cuadro lleva tiempo hacerlo y al natural las luces y sombras van cambiando. ¿Qué aconsejas a nuestros lectores para resolver este problema?

Si. Un tema que se resuelve fácilmente. Simplemente haciendo sesiones cortas de un par de horas aproximadamente, es decir, si salimos al campo lo lógico es hacer una sesión de primera hora de la mañana y otra más cerca del mediodía cuando ya el sol está en lo alto del cielo y la luz es más estable, y ya, hasta la tarde no vuelve a cambiar la dirección de las sombras proyectadas.

Hablemos de la sintetización del motivo… ¿qué proceso sigues en tus obras? O dicho de otra forma, ¿Te ajustas a lo que tienes ante ti o prefieres sintetizar y hacerlo tuyo?

Si, ya lo comentaba antes, no tengo inconveniente en eliminar cosas que no aporten. Siempre trabajo en beneficio del cuadro. Lo más importante es mantener la luz, esa es inamovible, se puede incluso comprimir un paisaje del que nos interesen cosas determinadas. Insisto, sin cambiar la luz.

Si hay algo que maravilla de tu obra es el uso y dominio del color. Fermín, ¿Cómo lograste dominar con tanta maestría el color de tus paisajes?

A base de observación he llegado a muchas conclusiones. Algunas de ellas que los grises están presentes en todo lo que pintamos. Que los azules son básicos y que algunos de ellos nos pueden proporcionar la clave para solucionar la mayoría de los problemas. Que el color va intimamente ligado a la luz. Nosotros no trabajamos con luz, nosotros creamos la ilusión óptica, trabajamos con color, con materia, esa es nuestra luz. Con todo esto (entre otras cosas) he logrado aclarar muchos conceptos.

¿Sigues alguna técnica para las mezclas de color, o lo haces por intuición?

La intuicion es fundamental, no cabe duda, ya que cada pintor es un mundo. Cada uno tenemos nuestra propia teoría de la demostración de las cosas. Lo cierto es que también me baso muchisimo en los colores complementarios, solo hay que mirar mi obra.

¿Tu paleta es siempre la misma o la cambias en función del motivo?

Mi paleta es la consecuencia de casi 40 años de trabajo. Por ella han pasado infinidad de colores y los que ahora mismo hay en ella son los que mas me ayudan a resolver. Lo tengo comprobado, he desechado muchos y he incorporado alguno, en definitiva, es una paleta amplia. Sí, reconozco que hay muchos pintores que prefieren una paleta reducida, más sobria si quieres, pero soy de los que piensa que los colores están para utilizarlos.

¿Qué consejos darías a los aficionados para conseguir la ambientación cromática de un paisaje?

Que busquen el color. Que mezclen. Que observen. Que huyan de veladuras y de efectos ilusorios que nada tienen que ver con el natural. ¡Ojo!, no digo que no se deban hacer veladuras, pero cuantas menos mejor. Mucho mejor resultado.

Por último, el paisaje que tienes ante ti, ¿lo resuelves mentalmente antes de iniciar tu obra o te ajustas a lo que aprecian tus sentidos conforme lo vas haciendo?

Siempre veo el cuadro acabado antes de comenzarlo, y me suelo equivocar poco salvo excepciones. No obstante, nunca está de mas poner un punto de imaginación en tu obra, aunque huyo generalmente del adorno y el virtuosismo, y eso que a veces el tema lo requiere.

(Para terminar, un tema de actualidad)

Fermín, ¿qué opinas del arte conceptual?.

A mi amigo Hangel, me gusta todo tipo de Arte del bueno, dicho de otra forma, me maravilla la obra de figurativos como De Haes, Sanchez, Perrier, Martin Rico, Rusiñol, Fortuny, Antonio López, etc., pero también me gusta Francis Bacon, Fernando Zobel, Lucio Muñoz, Giacometti… En fin, que me gusta el buen arte con mayúsculas. No me gustan las gracietas y ocurrencias de estos chavales endiosados a los que los críticos hacen un flaco favor subiéndolos a la cima. No me gusta lo que se ve en ARCO. Me parece un lamentable espectáculo que vemos año tras año. Pues eso.

¿Y del mercado de la pintura?

El futuro del mercado del arte está fuera de España. Los gustos de los españoles han cambiado. Ahora la gente compra mas coches de alta gama y menos cuadros. Restaurantes y hoteles de lujo llenos a reventar y galerias de arte cerrando por que no entra nadie. Y que no me vengan con el rollo de la crisis. Ya no me lo creo, lo veo yo con mis ojos. Aquí en España se venden cositas pequeñas, para ir tirando literalmente.

¿Es fácil vivir de la pintura?, ¿Qué necesitas para ello?

En este mundillo nuestro no hay nada fácil. Si te abres camino y tu obra va subiendo la cotización puedes mantenerte. ¿Lo que necesitas?, simple y llanamente alguien que apueste fuerte por ti, un marchante, un grupo inversor, una galería de arte prestigiosa y dedicarte a pintar cuanto más mejor. No es fácil, pero es lo que hace falta.

¿Estás de acuerdo con el dicho de que no todo el que vale tiene éxito en la pintura?, o mejor dicho… ¿No hay que pintar bien para tener éxito en la pintura?

Bueno Hangel, el que me conoce sabe que me fastidia muchisimo hablar de nadie, más si son colegas y aunque no te voy a dar nombres, si te puedo decir que hay gente arriba con cierto nombre o cierto éxito, que a base de llamar a muchas puertas, y como digo en Facebook, de hacer la pelota y rogar al politico o personaje de turno están ahí y no tienen un nivel como para estarlo, pero así son las cosas. Particularmente prefiero que mi trabajo hable por mi. La obra siempre tiene la ultima palabra.

Por último Fermín, ¿qué opinión te merece la crítica de arte y los llamados críticos de arte?.

¿Los críticos?, bueno, son una gente especial movida por gustos personales caprichosos. Si se les pone entre ceja y ceja subir a alguien lo suben, y si se les pone hundirlo, los hunden, nadie lo dice, pero todo el mundo lo sabe y lo piensa. Algunos tienen muchisimo peligro. Son los que dictan el catecismo pictórico y todos decimos …amen….desgraciadamente…aunque yo a estas alturas de mi vida no comulgo ya con esas ruedas de molino…no me da la gana.

No sé a vosotros, pero para mí no tiene desperdicio esta entrevista por la cantidad de mensajes directos y sin tapujos que el Maestro Fermín García Sevilla nos deja.

Por mi parte, solo espero tenerle aquí con nosotros para disfrutar de su inconmesurable ARTE con mayúsculas, como persona y como Maestro. Un gran abrazo y muchas gracias por dedicarnos tu tiempo y conocimiento.

Como siempre, si te resultó interesante el artículo comparte con tus amistades o déjale un comentario a nuestro invitado. Un cordial saludo a todos.

Hangel Montero