24 May Ana Grasset Ruiz. «La acuarela es pura poesía pintada»

Hoy entrevistamos a Ana Grasset Ruiz para nuestro Blog. Una entrevista que no os dejará indiferentes a los aficionados a la pintura, y más en concreto a la acuarela por la enorme y valiosa aportación que nos hace tal y como ella es, sincera, espontánea y de un corazón que no hay lugar tan grande donde ponerlo.

Pero antes de ello, dejadme que os hable un poco de su quehacer pictórico, de cómo y el porqué me decidí a pedirle esta entrevista que tan amablemente nos ha ofrecido en exclusiva para vosotros, los seguidores de este humilde espacio en la red.

Ana Grasset Ruiz, estudió Bellas Artes en Madrid pero en lo referente a la acuarela, se considera autodidacta. Aunque empezó con otras técnicas, se inició en la acuarela gracias a Antonio Heredero y siempre le entusiasmaron artistas como Sorolla, Turner, Sargent, Fortuny o Tapiró. Viajó a Venecia con una Beca, en donde residió un par de años y terminó por empaparme del arte del Settecento. Allí compatibilizó sus estudios de Doctorado trabajando en la 51a Edizione della Biennale di Venezia.

Actualmente es docente impartiendo clases de pintura en el Centro Cultural Giralt Laporta en Valdemorillo, en la Escuela Alda con Limón en Madrid y en su estudio, actividad que compagina participando en diversas exposiciones  o cursos como los ya realizados con Nacho Zubelzu, Juan Varela, Idoia Lasagabaster, José Luis López «Kubi», Emilio Cárdenas o Juan Lobatón. Ha participado en varios concursos de pintura y su obra ha sido expuesta en galerías y ferias de Madrid, Barcelona, Venecia, Bérgamo, Forte dei Marmi y Varsovia.

 

Ana, como luego leerás en la entrevista, define la acuarela, entre otras cosas como «pura poesía pintada«, y yo, que sé que estos conceptos son difíciles de comprender al simple espectador o aficionado a la pintura, me gustaría, no explicaros qué significa esto de pura poesía pintada, pero sí, y bajo mi punto de vista, cómo es la pintura de Ana Grasset en puros términos técnicos para desmenuzar su extraordinaria interpretación y dominio de la acuarela.

Lo primero que me llamó la atención de la Obra de Ana Grasset es que tiene la capacidad de sorprendernos en cada una de sus improntas pictóricas, es decir, no mantiene una paleta determinada ni una línea temática predefinida. Su capacidad para tratar distintos temas y con gamas cromáticas de lo más variado es extraordinaria manteniendo, eso sí, una espontaneidad y soltura difícil de conseguir en el arte de la acuarela.

Yo siempre digo, y en más de una ocasión me habrás leído, que cuando la técnica llega al grado de extrema depuración y dominio, entonces la pintura se convierte en «Arte». Y eso, es lo que para mí define la pintura de Ana Grasset, «Técnica convertida en Arte».

Nunca te dejará indiferente una obra de Ana Grasset. Siempre tendrás la inquietud involuntaria de ver, de imaginar, lo que ella solo deja insinuado con una simple pincelada, invitando a que nuestra imaginación resuelva y complete la escena. De seguro habrás leído en más de una ocasión eso de la síntesis o de sintetizar un motivo en pintura; pues bien, a esto es a lo que me refiero en el caso de Ana Grasset. Siempre encontrarás en sus obras esta capacidad de síntesis del motivo tan difícil de conseguir en pintura que hace que el espectador participe en nuestra concepción de lo que estamos pintando.

Hoy mismo, he estado con Manuel Alejandro Rodríguez (presidente de la Agrupación de Acuarelistas de Andalucía) en una entrevista para la Radio Televisión Motrileña donde destacó la especial dificultad de dominar «el agua» por su imprevisible comportamiento sobre el soporte y esto es precisamente lo que también me llama la atención de la Obra de Ana Grasset porque, a veces, pienso que lo imprevisible también puede ser controlable. Observa sus obras y verás que Ana consigue esto último, haciendo de lo imposible algo factible. Si te fijas, Ana Grasset deja hacer su trabajo al agua y al pigmento pero justo hasta donde ella decide de forma y manera premeditada. Esto solo se consigue con un gran dominio de los materiales, del agua y de los pigmentos.

Ana Grasset se encuentra cómoda en todo tipo de motivos; Paisaje, figura, marina… En esencia, siempre busca temas que a otros nos podrían resultar poco atractivos para llevarlos a nuestro papel. Pero ella busca no solo «lo bonito», el juego de luces y sombras o porqué no, un ambiente determinado, ella nos enseña con sus acuarelas que en cualquier rincón, donde menos lo imaginamos, existe un mensaje digno de transmitir… Soledad, nostalgia, caducidad, esplendor, armonía… sentimientos en definitiva cotidianos que nos son comunes a todos. Tal vez por ello, su definición de Acuarela me parece de lo más acertado y coherente con su Obra. «Pura poesía pintada».

Fue en Úbeda donde conocí a Ana Grasset. Desde entonces he seguido y seguiré sin duda su Obra porque me parece que talentos como el suyo deben tener el debido y merecido reconocimiento que se merece en el panorama pictórico actual. ¡Bravo Ana Grasset!

Os dejo ya con su entrevista. Espero que la disfrutes.

Entrevista a Ana Grasset para www.hangel.es

 

Hablemos de tus inicios o primeros contactos con la pintura.

– ¿Naciste en un entorno familiar artístico?

• En mi estudio hay varios óleos que fueron pintados por la madre de mi abuela paterna. Esta última nunca pintó, ni mi padre pero, a la edad de 8 años heredé una caja nuevita de óleos que tuve el honor de estrenar. Con ella di mis primeros pasos, mis primeras pinceladas. Más tarde, descubriría la acuarela. Realmente fue mi abuela la que vio algo en mi, en mi dibujo, en mis trazos..y la que me inició en esto de la pintura. Ella fue quien me animó a que estudiara Bellas Artes. Y por ello, la estaré eternamente agradecida. A ella y a mis padres, claro.

– ¿Qué formación artística recibiste antes de tu ingreso en Bellas Artes?

• Fui una pésima estudiante. Y solo me encontraba a mí misma en clase de Plástica. Por entonces se llamaba así la asignatura con la que más disfrutaba y en la que sentía que podía recrearme. Asistí a varios cursos de pintura en Casas de Cultura antes de tomar la decisión de hacer Bellas Artes. Fue entonces cuando me apunté en «Arcade», una Academia en donde preparaban para el examen de ingreso en la universidad justo el año que tuve la Selectividad. Lo que ocurrió fue que aprobé el examen de ingreso pero no la Selectividad y no me guardaban la nota. Al año siguiente, aprobé ambas, Selectividad y de nuevo mi ingreso en Bellas Artes. Valió pues la pena todo ese esfuerzo y estar dos años encajando, dibujando y pintando desnudo del natural y escultura clásica, entre otras cosas. Deberían haberme dado un premio por haber pasado esa prueba en dos ocasiones , jaja. Tenía muy muy claro que era aquello lo que quería hacer y estudiar.

– ¿Crees que el pintor, el artista, nace o se hace?

• Buena pregunta, Hangel. La eterna duda, no? De saber o no, si las personas que están verdaderamente dotadas para el arte han nacido con un don especial otorgado. No sé si nace o se hace pero, creo que es fundamental aquí la educación recibida. Los valores adquiridos, el trabajo diario, la motivación, el esfuerzo, la creencia en uno mismo y en lo que haces y en disfrutar con lo que haces..creo que son características, estas y muchísimas más, que van siempre a favorecer tu desarrollo, no sólo en lo artístico sino en lo personal. Creo que con trabajo y con tesón se puede alcanzar todo aquello que imagines siempre y cuando tengas la seguridad de que tienes la confianza suficiente en aquello que quieres conseguir. Muchas veces sentimos frustración porque nuestros resultados no son aquellos que esperábamos. Pero es precisamente en ese camino en el que hay que aprender a creer. Todos nacemos con un don especial, pero no ha de ser necesariamente el artístico. Con esfuerzo y empeño, a todo se aprende.

Sobre tu paso por Bellas Artes

– ¿Qué asignatura o disciplina se te daba mejor?

• Sin duda y con la que más disfruté fue con el dibujo del natural con modelo. Era una especie de terapia. Siempre me ha gustado el desnudo y considero que junto con el bodegón (aunque no es el tema que más suele atraer) es de las mejores disciplinas que hay para practicar el dibujo, soltarse y coger mano. Sobre todo con las poses cortas. Florencio Galindo, que en paz descanse, fue mi maestro durante varios años y aprendí muchísimo de él. Le debo mucho a él y a sus enseñanzas.

– Con el paso de los años… ¿Crees que en la facultad se forman auténticos artistas?, o por el contrario… ¿La enseñanza que se imparte no es todo lo completa que se requiere?

• Desde mi experiencia diré que de todas mis amistades y compañeros con los que tuve la suerte de compartir carrera artística, muy pocos viven de ello hoy en día. Pero no creo que sea por la causa que dices. Tuve la suerte de asistir a asignaturas interesantísimas y con un profesorado que me aportaron muchísimo para mi carrera artística. Siempre te queda la duda de saber si podías haber aprendido más pero, no solo depende de lo que te rodea sino de ti mismo. De la atención que pongas en cada detalle. De la capacidad que tienes para asimilar aquello que te están enseñando. De lo que quieras absorber y atraer para, si quieres y te lo propones, convertirte en un auténtico artista.

– ¿Qué disciplinas crees que deberían ser objeto de estudio en la facultad y no lo son ? … ¿Color?… ¿Didáctica?…

• Ufff, hace tanto tiempo ya..Y, no sé lo que habrá podido cambiar desde entonces pero si hubo algo que eché en falta, fue el haber profundizado más en el tema de la acuarela, de la que poco o nada aprendí y luego, siempre eternamente condenada a ser considerada un arte menor injustamente. Tuve asignaturas sobre la teoría del color interesantísimas, y también sobre la didáctica en el arte. Estudié Sociología, Mitología y, me influyeron muchísimo en mi formación tanto artística como personal, la verdad. Pero si yo misma hubiera tenido la oportunidad de impartir alguna asignatura, sin duda «Acuarela: pinceladas de poesía pura » o algo así, habría sido una de ellas. Me gusta la relación entre una y otra.

Sobre tu paso y estancia en Italia

– ¿Qué influencia ha tenido a la postre en tu actual pintura?

• Italia es la cuna del arte, y vivir allí en Venecia, fue una de las mejores experiencias que he podido tener, afortunadamente. Y eso mismo, el haber estado allí me ha hecho ver más de cerca la obra de los grandes a quienes siempre he admirado..Canaletto, Leonardo, Miguel Ángel, Tintoretto..la lista sería interminable. Todos ellos, a la fuerza y con el privilegio de haberme podido empapar de sus obras maestras, alguna huella han debido dejar en mis trabajos, sin ninguna duda.

– ¿Rococó o Neoclasicismo?… Realismo o impresionismo?

• Neoclasicismo e Impresionismo. Y entre los dos me quedo con el último: Sorolla, Monet, Berthe Morisot, Turner, Sargent, Fortuny, Wyeth, Tapiró…Otra lista interminable de pintores de los cuales siento una grandísima y enorme admiración.

– ¿Dónde se vive o se siente más el mundo de la pintura… en Italia o España?

• Como bien ya he dicho un poco más arriba Italia es la cuna del arte, lo que no quiere decir que en España no se sienta como allí. Tenemos cada vez más, oportunidad de asistir a grandes museos y a grandísimas exposiciones en nuestro país, no solo de pintura sino de cualquier tipo de arte en sus diferentes ramas.

– ¿Con qué te quedarías del mundo que rodea la pintura en Italia y en España?

• De Italia con los clásicos, Leonardo, Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael, Caravaggio, Arcimboldo, Canaletto, etc..y con otros más actuales como Modigliani o Morandi. Y de España, sin duda Goya, Velázquez, Picasso, Dalí, Miró, Murillo, Tapies, Antonio López, Barceló..y un larguísimo etc…pero, con quienes me quedaría hasta la eternidad son con Sorolla, Fortuny y Tapiró.

Hablemos ahora de pintura, de tu pintura:

– Ana… ¿Cómo definirías tu actual pintura?

• Ufff, esto sí que me parece una pregunta complicada, Hangel. Entre otras cosas porque hablar de mi pintura viene a decir más o menos lo mismo que hablar sobre mi y, eso es una cosa que siempre se me ha dado fatal. Quizás es algo que os debería preguntar yo misma, jajaja. Supongo que mi actual pintura es el resultado de algo que está en constante evolución. Me gusta empaparme y absorber todo lo positivo de las grandes figuras que siempre he admirado, intentando llevar todo ese aprendizaje a mi terreno y sin dejar de perder mi estilo ni la esencia de lo que hago tratando de ser yo misma siempre, Ana. Creo que lo que hago está en constante cambio y si miro atrás, puede ser que mi pintura sea ahora más decidida, más luminosa y más segura que antes.

– ¿Con qué temas o motivos te sientes más cómoda? … Paisaje, figura, etc.

• Me gusta tocar todos los temas pero me siento cómoda pintando figura y retrato. En cuanto a la primera, casi siempre incluyo en mis acuarelas o mis pinturas alguna figura, para dar dimensión, movimiento y proporción a aquello que he pintado. Me gusta crear ritmos con la figura. Me encanta pintar gente y hacer apuntes rápidos adivinando el gesto en un simple trazo. El Metro es un buen lugar para practicarlo. Para ello empleo muchas veces cuaderno y rotulador acuarelable, dos o tres nada más y después sacar luces y matices con un pincel de agua. Y en cuanto al retrato, fue así como empecé a dibujar. Empecé de muy peque a coger fotos de personas de revistas y trataba de copiarlas. Me gusta pintar caras inventadas e inventar por donde entra la luz. Pero también apoyarme en fotografías y jugar con rostros muy contrastados por luz y sombra. Disfruto pintando caras de color. Mi viaje a Gambia fue determinante.

– Dices que en acuarela te consideras autodidacta, pero… ¿tu actual pintura tiene alguna influencia de algún que otro maestro?

• Por supuesto..y no son pocos los maestros a los que admiro. Pero realmente empecé a pintar acuarela gracias a una que vi por casa, hará unos veinte años ya. La compraron mis padres en una galería cerca de donde actualmente vivo. Eran unas barcas de Antonio Heredero, un acuarelista madrileño afincado en Vigo desde hacía muchos años. Casualmente y después de unos años, vimos un artículo en el periódico que anunciaba una exposición suya en una galería de Madrid y fuimos a verla. Quedé impresionada del tamaño que tenían sus acuarelas y, me enamoré de su luz, de su espontaneidad, de su color y pensé..yo quiero intentar hacer esto. Así que me compré mi primer libro de Parramón para iniciados y así con todo, empecé mis primeros pinitos y contacto con la acuarela. Nunca llegué a conocerle en persona, algo de lo que siempre me arrepentiré pero, sí conservo con mucho cariño una crítica que me escribió. Muy poquito antes de fallecer a la edad de 90 años, tuve la oportunidad de hablar con él por teléfono para agradecerle el regalo de bodas tan especial que nos hicieron a mi marido y a mí, (más a mi que a él, jijiji) mis compañeros y amigos de la facultad de Bellas Artes: una acuarela de 50 x 40 cm con la representación de unas barcas con nuestros nombres escritos en el costado de sus proas. Estaba prevista una exposición antológica en la Casa de Galicia junto con su hija Mariola, otra excelente acuarelista a la que admiro. Unos meses antes, falleció él y solo tuve oportunidad de conocerla a ella. A él le vi reflejado en sus maravillosas acuarelas.

– ¿Puedes darnos tu concepto de acuarela?, es decir, para ti ¿Qué es la acuarela?… síntesis?, color?, luz?, dibujo?

• Acuarela es para mí, a parte de todo eso, (aunque no me convence demasiado eso de síntesis porque considero que hay grandísimas acuarelas que requieren de muchísimo trabajo y esfuerzo y son capaces de transmitir igualmente tanto o más que una acuarela sintetizada o simplificada), también es muchas otras cosas como composición, espontaneidad, atmósfera, calidez, transparencia, un simple instante. Para mí, acuarela es pura poesía pintada y por supuesto, uniendo todas estas características, es lo que la convierte inevitablemente en «magia», eso es para mí la acuarela.

– Tienes algún referente de la acuarela que inspire tus obras?

• Claro que sí. A parte de Antonio Heredero, cuyos trabajos fueron los que me introdujeron real y definitivamente en este mundillo, tengo a muchos otros que lo hacen. Turner, Sargent, Fortuny, Tapirò…Y de los de ahora son muchos también pero, me quedo con dos de quienes más he aprendido en los últimos dos años, tanto en lo artístico como en lo personal. Uno de ellos es Francisco Castro, quien no me parece un acuarelista sino un pintor con todas las letras, y cuya pintura se convierte inevitablemente en algo especial y que se sale de lo normal. Sus pinceladas hablan. Y, por supuesto, mi buen amigo José Luis Lopez «Kubi», del que mi lista de agradecimientos y aprendizajes sería interminable pero, me quedo con un par de cosas importantes y que además conformarían lo que para mí representa un verdadero artista: lo primero, es ese acertado uso suyo del pigmento. Sus acuarelas tienen algo que hace que se le diferencie de los demás: Tienen la fuerza, color, composición y expresividad que toda obra debe tener para ser constituida una obra de arte como tal. Sin esto, difícilmente una pintura puede llegar a transmitir como las suyas lo hacen, a través de absolutamente cualquiera de sus poros; los poros del papel que emplea. Y segundo..la importancia de la humildad en el artista y en la persona. Humildad entendida para aprender y enseñar, sin egoísmo. Saber dar, escuchar, respetar, transmitir y ayudar siempre en todo lo posible. Todo esto y mucho más me ha hecho ver. Les admiro profundamente a los dos y les estoy tremendamente agradecida por todo lo que de ellos voy aprendiendo.

– ¿Pintura de estudio o del natural? ¿Dónde te sientes más cómoda?

• Ambas cosas practico. Por comodidad, estoy mejor en el estudio pero al natural te enfrentas a cosas que nunca encontrarías en tu estudio, como el cambio de luz, la lluvia, el viento, el encuadre..Si tengo que elegir, quizás me quede en el estudio, pero me gusta compaginarlas para enfrentarme a cosas nuevas. Los concursos de pintura al aire libre son perfectos para enfrentar un montón de miedos y barreras que nos ponemos nosotros mismos.

– Veo que tu obra busca constantemente la luz, pero unas veces recurres al pleno color y otras a gamas melódicas. ¿Qué te gusta más?

• Depende mucho de mi estado de ánimo, jajaja. Si es verdad que la luz es una constante búsqueda en mis acuarelas, yo diría que incluso hasta una obsesión. Luz y atmósfera también, son para mí quienes dan sentido, volumen y vida a la obra. Últimamente estoy tirando mucho de pigmento seco, con bastante carga de color pero mañana puedo estar haciendo una acuarela de tonos apastelados. Depende del día pero lo que si es cierto, es que me gustan más aquellas que tienen fuerza y están muy contrastadas y, eso solo se puede conseguir a través del color.

– ¿Nos podrías desvelar tu paleta?

• Suelo utilizar la caja metálica de Artist que, aunque es pesada, mantiene los colores del tubo bien frescos gracias a esas dos solapas que la cierran. Suelo humedecer mis colores de tubo con el pulverizador antes y después de utilizarlos, para que mantengan ese aspecto cremoso. De cálidos: amarillo cadmio, limón y Nápoles, rojo cadmio, carmín de alizarina, siena tostada, siena natural, pardo van dick Y de fríos: ultramar, cobalto, cerúleo, turquesa de cobalto, lavanda, índigo, verde esmeralda y tinta neutra. No suelo utilizar el blanco pero, tengo por ahí un blanco de china por si las moscas. Y me gustan mucho los tres perilenos, el caput mortuum, el gustagamba nuevo y el verde cinabrio.

Qué te parece si hablamos algo de tu actividad docente

– Consideras, según tu experiencia, que el aprendizaje de la pintura está a nivel de cualquiera?, o sólo de quien tiene “condiciones innatas”?

• Cualquiera puede ser capaz de coger un lápiz y unos pinceles y ponerse a echar color o dibujar sin necesidad de que antes lo haya hecho y, puede salir mejor o peor. Pero, lo que está claro es que, si hay una buena base de dibujo y de conocimientos artísticos previos eso favorecerá siempre a que obtengamos unos mejores resultados. Para ello es aquí importantísima la figura del maestro. Pero también creo que con un poco de habilidad, entusiasmo y carisma, se pueden obtener más cosas de las que pensamos.

– ¿Qué consideras que es más importante en esto del aprendizaje de la pintura. ¿Qué el alumno se adapte al profesor? O que sea el profesor el que se adapte al alumno?

• Creo que en este caso debe ser algo mutuo. El alumno siempre va a esperar que el profesor le guíe y le oriente en su proceso de aprendizaje pero, también debe haber momentos en los que el alumno debe dejarse llevar para pasar del aprendizaje recibido a poner ese granito de arena de su parte y poder así crear su propio estilo y encontrar su verdadera esencia. Cuando un profesor se planta delante de un nuevo alumno, debe ver al instante cuales son sus carencias, sus miedos, sus debilidades para reforzar todo aquello que le falta. Debe ser su guía y explicarle en todo momento por y para qué debe actuar o trabajar de una manera o de otra. El alumno es el que se encargará de seleccionar.

– Para ti, el manejo y aprendizaje del color ¿es cuestión de tiempo y experiencia o de técnica?

• Requiere tiempo asimilar cómo funciona el color, sus mezclas, entender cómo se complementan entre si, como calentamos o enfriamos un color pero, de nada sirve la teoría si no lo llevamos a la práctica. Sin práctica, no cogemos experiencia. Y sin experiencia, difícilmente llegaremos a la técnica. Conclusión: a mezclar colores como locos para lograr entenderlos.

– ¿Qué hace que un alumno progrese más rápido que otro en el aprendizaje de la pintura y en las mismas condiciones?

• Es necesario que haya siempre un estímulo, una motivación. Y esta es una tarea importante por parte del maestro. Si el alumno no se siente motivado, va a ser complicado que progrese. Pero el alumno también debe trabajar para ello su atención, su concentración y asumir sus ganas o no de aprender. Generalmente progresa más rápidamente aquel que viene con una buena base de dibujo, para mí, el pilar fundamental de un buen pintor. Existen alumnos que fallan en dibujo y no necesariamente significa que no entiendan de color o de composición pero, lo cierto es que ayuda y mucho en la resolución final de un cuadro para llegar a obtener los resultados deseados. Por lo tanto, lo básico es que aprenda una buena base de dibujo.

– Para ti… ¿Qué suele causar que el alumno abandone su afición antes de aprender a pintar?

• Que sea poco constante. Quizás también la falta de motivación por parte del profesor, la falta de paciencia..son factores que pueden llevar a hacerle sentirse frustrado. En ocasiones puede que también por la economía, aunque esto es raro cuando hay ganas de aprender.

– ¿Consideras que la docencia de la pintura está bien considerada y valorada?

• Puede que esté bien considerada pero en ocasiones poco valorada.

– Por lo general… ¿Dónde crees que se imparte mejor enseñanza de la pintura, en la facultad o en centros privados?

• Creo que son ámbitos diferentes. Todo es formativo pero es algo que requiere práctica después de salir de la facultad y de cara a tu futura vida profesional. En los centros privados se tiene una formación más personalizada y ayuda a descubrir otras tendencias.

– ¿Qué edad es para ti la idónea para aprender a pintar?

• La infancia sin ninguna duda. Lo que no quiere decir que alguien que se inicie en una edad más avanza sea algo negativo. Pero cuanto antes se inicie en el mundo de la pintura, fundamentalmente la enseñanza de los colores y las mezclas de los mismos, antes se podrá desarrollar su capacidad creativa. Por eso es muy importante motivar y estimular al niño, tanto por parte de profesores como por parte de los padres.

– ¿Mejor uno, o varios maestros para el alumno?

• Puede que tengas un solo maestro y no necesitar a ninguno más porque sientes que el estilo de esa persona se adapta al tuyo pero, yo siempre animo a mis alumnos a que prueben con diferentes profesores, y a ver las diferentes maneras que tienen de plantear y de resolver sus obras. Por lo tanto, varios maestros resultará siempre más enriquecedor y positivo.

Ahora un poco de todo.

– ¿Qué opinas del mercado del arte en la actualidad y en España?

• Que está muy complicado, Jajajaja! Es notable como ha descendido el número de Galerías de Arte en nuestro país. Y también el número de compradores, lo que hace que el mercado del arte se vea negativamente afectado.

– ¿Crees que la buena pintura obtiene siempre su oportuno reconocimiento y debida valoración?… ¿o crees que la suerte y otras circunstancias ajenas al valor de la obra tienen un papel importante en esto del reconocimiento de un determinado pintor?

• Por supuesto que el factor suerte juega un papel determinante a la hora de que un pintor sea reconocido. Desgraciadamente existen pintores que no siempre son valorados como deberían. Y esto no quiere decir que su obra desmerezca.

– ¿Qué opinas de la crítica o de los “críticos de arte”?

• En general te guían, te enseñan y te orientan… Te introducen en un mundo de conocimiento. Es el que sabe además de todo eso y saben sorprenderse. Saben ver la genialidad en lo sencillo y no se esconden sólo en la garantía que da un nombre y un trabajo conocido… Porque su papel es muy importante en el mundo del arte y tienen un compromiso y responsabilidad increíbles.

– ¿Y de las galerías o galeristas?

• También son críticos de arte. Algunas optan por lo conocido y otras se atreven en su mecenazgo a mostrar y atreverse con movimientos más innovadores.

– En pintura… ¿estás de acuerdo con el dicho ese que dice que en pintura lo caro debe ser bueno y lo barato no tan bueno?

• Para nada. Todo depende de los gustos y de la calidad de la obra. Hay obras de arte que no deberían de tener precio.

– Para ti… ¿Cuál es la pintura buena y cual no?, es decir, para ti, ¿existen normas que podamos utilizar para valorar la calidad de una pintura?

• Pintura buena o menos buena..Qué difícil a veces ser objetivo en esto, precisamente porque el arte es tan subjetivo..Para que una obra tenga un mínimo de calidad lo primero, debe de transmitirme algo..algún tipo de sensación o de sentimiento. Así, de primeras. Para ello debe tener una proporción y composición adecuadas y atractivas. El trazo o la pincelada también son importantes. El color, la luminosidad…Pero todo esto a veces es muy complicado de representar para que llegue al espectador de la manera como uno desearía.

– ¿Qué opinas del arte conceptual?

• Que a veces no lo entiendo, a no ser que esté ahí el artista explicando su obra. Creo que es otra forma más de expresarse. Lo respeto profundamente y he conocido obras conceptuales interesantísimas pero, no cambio mi dibujo, mi pintura y mis pinceles por nada.

– Pintor y artista ¿es lo mismo?

• Para mí son conceptos diferentes pero que se asemejan. Un pintor es una persona que se dedica y practica el arte de la pintura. Crea cuadros. Sin embargo, un artista puede englobar a todas las artes: pintura, escultura, danza, escritura, música…Puede ser aquel capaz de crear o de producir una obra de arte: un dibujo, un cuadro, un bajorrelieve, un tango, un poema, una pieza de Mozart..cualquiera que sea capaz de crear algo así, para mí es considerado un artista. Un pintor es siempre un artista y un artista puede llegar a convertirse en pintor.

– Y por último Ana,… para ti, ¿en pintura todo vale?

• Todo vale siempre y cuando consigas lo que quieres..Si aquello que haces llega a transmitir y además crees en ello. La pintura es un lenguaje universal. Como decía Cervantes: «Lo que se sabe sentir, se sabe decir».

Desde estas líneas, Ana Grasset, te agradezco muy mucho la deferencia que has tenido para con nosotros. Un fuerte abrazo ¡ARTISTA!

Hangel Montero